リヒャルト・シュトラウス オペラ『サロメ』

 

『サロメ』（ドイツ語: Salome）作品54は、リヒャルト・シュトラウスが1903年から1905年にかけて作曲した1幕のオペラ（元々の記述はオペラではなく、「1幕の劇 Drama in einem Aufzuge」であるが、ドイツオペラはむしろオペラと明記してある作品の方が少数でもあり、通常は一括してオペラと呼ばれる）。台本はオスカー・ワイルドの戯曲『サロメ』をもとに、ヘートヴィヒ・ラハマンが独訳したもの。

 

概要

『火の危機』を発表後、この作品と対になる1幕もののオペラを構想したことに始まるといわれる。サロメの物語はもともと『新約聖書』の挿話であるが、オスカー・ワイルドの戯曲になる頃には預言者の生首に少女が接吻するという世紀末芸術に変容している。シュトラウスが交響詩の作曲を通じて培った極彩色の管弦楽法により、濃厚な官能的表現が繰り広げられる。

 

シュトラウスは最初、アントン・リントナーの台本による作曲を考えていたが、原文をそのまま用いる方が良いと判断し、原作の独訳を台本としている（原文の台詞を削除している箇所もある）。

 

前奏なしの4場構成となっていて、第4場の『サロメの踊り（7つのヴェールの踊り）』が著名で単独の演奏や録音も存在する。ただし、劇の流れからするとこの部分はやや浮いており、前後の緊張感あふれる音楽・歌唱を弛緩させているという評価（例えばアルマ・マーラーによる批判など）も少なからず存在する。この「欠陥」は、次作の『エレクトラ』でほぼ克服されている。

 

さほど長い作品ではないが、表題役のサロメは他の出演者に比べて比重がかなり大きく、ほとんど舞台上に居続けで歌うこととなる。また少女らしい初々しさと狂気じみた淫蕩さ、可憐なか細い声と強靭で大きな声といった、一人の演者では両立困難な演技表現が求められる。さらに前述した第4場の「サロメの踊り」の場面では、長いソロダンスを踊らなければならない（ただし、この踊りには代理のダンサーが立てられることもある）。これらのことから、サロメの表題役はドイツ・オペラきっての難役とも言われる。

 

あらすじ

紀元30年ごろ、ガリラヤ湖に面したヘロデの宮殿の大テラス。シリア人の衛兵隊長ナラボートは、宮殿で開かれている宴を覗き見し、サロメの美しさに心を奪われるものの、ナラボートをひそかに慕うヘロディアスの小姓にたしなめられる。そこへ救世主の到来を告げる重々しい声。兵士たちによれば、それは地下の空の古井戸に幽閉されている預言者ヨカナーンの声だとのこと。

 

そこへサロメが現れる。彼女は義父であるヘロデが自分に投げかける、情欲むき出しの視線に耐えかね宴席を抜け出してきたのだったが、聞こえてくる声に興味を示し、ナラボートが自分に好意を抱いていることにつけこんで、ヨカナーンをここへ連れて来いという。兵士たちはヨカナーンに接触することを禁じられていたため、はじめはそれに応じないが、サロメはナラボートに媚を売り、古井戸から連れ出させる。

 

現れたヨカナーンに圧倒されるサロメ。ヨカナーンは彼女には見向きもせず、サロメの母ヘロディアスの淫行を非難するが、サロメはなおも彼に近付こうとする。憧れのサロメの、あまりに軽薄な態度に落胆したナラボートは自決を遂げてしまう。ヨカナーンはサロメをたしなめつつ自ら古井戸に戻る。

 

やがてサロメを探してヘロデがヘロディアスや家臣たちとともに姿を現す。彼らはナラボートの死体から流れ出た血で足を滑らせたため、ヘロデはナラボートが自決したことを知る。不気味な前兆におびえながらも、ヘロデはサロメを自分の側に呼び寄せ、関心を惹くべく酒や果物を勧めるがサロメはまったく興味を示さず、ヘロディアスも娘を王に近づけまいとする。

 

そこへ、ヘロデ夫妻の行状を非難するヨカナーンの声。ヘロディアスは激怒し、彼を黙らせるか、ユダヤ人たちに引き渡してしまえと叫び、ユダヤ人とナザレ人たちは言い争いを始める。ヨカナーンの声はなおも響いてくるので、心を乱されたヘロデは気分直しにサロメに舞を所望する。サロメははじめはそれに応じようとしないが、ヘロデが褒美は何でもほしいものを与えると持ちかけたため、サロメは裸身に7枚の薄いヴェールを身につけて踊り始める。官能的な舞が進むにつれ、ヴェールを一枚ずつ脱ぎ捨ててゆくサロメ。ヘロデは強く興奮し、やがて舞を終えたサロメに何が欲しいかと尋ねる。

 

サロメの答えは銀の大皿に載せたヨカナーンの生首。さすがに狼狽したヘロデは、代わりのものとして宝石や白いクジャク、果ては自分の所領の半分ではどうかと提案するものの、サロメは頑として合意しない。ヘロデはとうとう根負けし、ヘロディアスが彼の指から死の指輪を抜き取って首切り役人に渡す。役人は古井戸の中へ入ってゆき、サロメはその近くで耳を澄ましている。不気味な静寂だけが続き、サロメが苛立ちを募らせていると、騒々しい大音響が響き、首切り役人が銀の大皿に乗せたヨカナーンの生首を持って現れる。サロメは狂喜してそれを掴むと、お前は私にくちづけさせてはくれなかった、だから今こうして私がと長いモノローグを歌った後、恍惚としてヨカナーンの生首にくちづけする。そのさまに慄然としたヘロデはサロメを殺せと兵士たちに命じ、サロメは彼らの楯に押しつぶされて死ぬ。

ベッリーニ オペラ『ノルマ』 (Norma)（Act2）

ロマーニは当時パリ・オデオン座で公開され始めたばかり（初演1831年4月16日）の舞台劇「ノルマ」にオペラ化の可能性を見出し、同年7月20日頃から台本作成を開始したと考えられている。ベッリーニがほぼ完成した台本を受領したのは彼の書簡によれば9月1日であり、そこからわずか3か月のうちに、この名オペラが完成したことになる。

 

第2幕

第1場 - ノルマの住居の内部

第2場 - イルミンスルの神殿

あらすじ

時と場所は紀元前50年頃、ローマ帝国支配下にあるガリア地方。

 

第2幕第1場

ノルマは2人の息子と心中しようと試みるが、子供の寝姿を見るとそれは果たせない。アダルジーザが住居に現れ、自分はポリオーネと別れる決意を固めたと話し、ノルマには

「子供たちの素晴らしい母親として生きて欲しい」

と説得する。ノルマとアダルジーザは互いの友情を確認し、有名な美しい二重唱が歌われる。

 

第2幕第2場

ポリオーネがアダルジーザの提案を拒否したと聞いたノルマは、怒りのあまり祭壇の銅鑼を3度打ち鳴らし戦争開始を合図する。ポリオーネがアダルジーザを連れ去ろうと神殿に闖入、捕われた、との報せが入る。群集がポリオーネを引き立てて参集する。

 

ノルマは

「この男を殺す前に、尋問して共犯の巫女の名を明らかにする」

と述べ、人々を一旦立ち退かせる。

 

ポリオーネと2人きりになったノルマは

「アダルジーザを忘れるという約束と引換えに、お前の命だけは助けよう」

と言うが、強情なポリオーネは取り合わない。ノルマは

「裏切り者の女の名がわかった。火刑台の準備をしろ」

と、人々を再び招集する。

 

ポリオーネはアダルジーザの名が明かされることを怖れるが、ノルマは

「裏切り者は私です」

と人々に宣言する。

 

衝撃を受けたポリオーネは、ノルマへの愛に再度めざめ

「貴女は素晴らしい女性。自分はそれを知るのが遅すぎた」

と許しを請う。

 

ノルマは、父オロヴェーゾに2人の子供の助命を懇願、オロヴェーゾは、ためらっていたが受け入れる。ノルマは従容と火刑台に向かう。

ベッリーニ オペラ『ノルマ』 (Norma)（Act1）

『ノルマ』 (Norma) は、ヴィンチェンツォ・ベッリーニが作曲、1831年に初演された全2幕からなるオペラである。

 

主役を歌うソプラノ歌手にとって最も難度の高いオペラの1つと考えられており、過去にはローザ・ポンセル、ジーナ・チーニャ、ジンカ・ミラノフ、マリア・カラス、ジョーン・サザーランド、モンセラート・カバリェなどが得意とした。

 

ソプラノのアリア「清らかな女神」（Casta Diva, カスタ・ディーヴァ）は特に有名であり、リサイタルなどで単独で歌われることも多い。

 

原語曲名：Norma

台本：フェリーチェ・ロマーニ、アレクサンドル・スーメの同名の舞台劇による

演奏時間：約2時間20分（各幕約80分、60分）

初演：1831年12月26日、ミラノのスカラ座にて

 

作曲の経緯

ベッリーニはまだ30歳の若さであったが、前作「夢遊病の女」（La sonnambula, 1831年）の成功により、当時イタリア最高のオペラ作曲家としての名声を固めつつあった。その頃、財政的困難から低調な公演活動を余儀なくされていたスカラ座が起死回生の策として、「夢遊病の女」を生んだトリオ、すなわち作曲家ベッリーニ、台本家ロマーニ、主演（ソプラノ）ジュディッタ・パスタによって1831年 - 1832年のシーズン開幕を飾ろうとしたのがこの作品である。

 

なお、これは既に名ソプラノとされていたパスタのスカラ座デビューであり、その点でも興行上の話題性は高かったと考えられている。ポリオーネ役にはこれまた著名なドメニコ・ドンツェッリ、アダルジーザ役には後に同じベッリーニの「清教徒」を初演するジューリア・グリーシが配され、当時の最高峰歌手陣を揃えた初演となった。

 

全2幕5場。

 

前奏曲

第1幕　

第1場 - ドルイド教徒の神聖な森

第2場 - ノルマの住居の前

 

第1幕第1場

前奏曲に続いて、舞台はドルイド教徒の森。オロヴェーゾに率いられた一団が、ローマからの解放を願う祈りを捧げて去る。物陰から現れたポリオーネは同行するフラヴィオに、自分のノルマへの愛はもはや醒めたこと、今では若きアダルジーサを愛していることを告げ、ノルマがそれを知れば復讐があるだろう、と恐れおののく。入れ替わるように再びドルイド教徒たちがノルマに率いられて現れ、儀式を行う。ここで歌われるのが有名なシェーナとカヴァティーナ『清らかな女神』である。

 

人々はローマへの怒りに燃えているが、ノルマは蜂起を許さず、実は自らがローマ総督ポリオーネを密かに愛し、2人の息子までもうけた苦しい胸のうちを独白する。一同は去るが、これもまたローマ人に対する背徳の愛に悩む若きアダルジーザが独り残る。そこにポリオーネが現れ、一緒にローマへ逃げよう、と情熱的に説得、初めは拒絶していたアダルジーザも遂には従うことを約束する。

 

第1幕第2場

ノルマがクロティルデの援助の下、密かに2人の子供を育てる住居にアダルジーザがやって来る。慌てて子供達を隠すノルマに、アダルジーザは、巫女には禁じられた恋愛をしてしまった悩みを告白する。お互いに同じ男性を愛しているとは知らないノルマは彼女を赦す。そこに偶然ポリオーネが現れ、2人の女性は初めて状況を理解する。ノルマは、アダルジーザには罪はなく、全てはポリオーネの不実のせい、と激しい非難を加える。恋の修羅場の三重唱。

ムソルグスキー オペラ『ボリス・ゴドゥノフ』（リムスキー＝コルサコフ編曲） Act 4

　上演拒否の報の後、ムソルグスキーはスターソフらとも話し合い、オペラの改定作業に取り組んだ。

 

　まず、重要な女声役であるマリーナ・ムニーシェクが登場し、バレエ場面もあるポーランドを舞台とする2場が作られ、更にプーシキンの原作ではほとんど触れられていない民衆の蜂起を描いた「クロームィ近くの森の中の空き地」の場（いわゆる「革命の場」）が追加されている。

 

　入れ替わりに原典版にあった聖ワシリイ大聖堂の場は削られ、同場面にあった子供たちと白痴のやり取り、白痴の歌「流れよ、流れよ、苦い涙!」は「革命の場」に移されている。そして、原典版がボリスの死で終わるのに対して、改訂版は「革命の場」で締め括られる事になり、オペラの印象を大きく変えることとなった。

 

　原典版ではボリス個人の悲劇という印象であったものが、偽ドミトリーや民衆が前面に押し出され、白痴の歌で終わることにより、個人よりもロシアという国の悲劇が強調されるようになっている。

 

　改訂版の9つの場面を分析すると、クレムリンの場を扇の要として、誰に光を当てるかにより、オペラ全体がシンメトリックな構造となっていることがわかる。これはムソルグスキーの次作『ホヴァーンシチナ』にも継承されている。 

ムソルグスキー オペラ『ボリス・ゴドゥノフ』（リムスキー＝コルサコフ編曲） Act 3

 

　完成されたオペラ第1作『ボリス・ゴドゥノフ』は、その上演を求めて1870年の夏に帝室歌劇場管理部に総譜を提出したが、帝室歌劇所側から上演を拒否されてしまう。

 

　これに対しムソルグスキーは憤慨したが、ウラディーミル・スターソフや友人たち（その中には、リムスキー＝コルサコフもいた）からの意見を聞いたうえで考え直し、すぐさまオペラの改訂に着手した。改訂版は、1872年の6月23日に完成された。

 

　1869年に完成した原典版は、1871年2月17日になって歌劇場側から正式に不採用として通知がなされた。原典版は、標準的なオペラの形態から見れば極端に女声役が少ないなど大きく逸脱するものであったため、上演を拒否されたと見られる。

ムソルグスキー オペラ『ボリス・ゴドゥノフ』（リムスキー＝コルサコフ編曲） Act 2

 

　1868年9月、ムソルグスキーは官史の勤務先を林野局に転じられたが、折よく幸運にも親友のオポチーニンが家に迎えてくれたため、その好意に甘んじて10月から本格的に作曲に着手した。

 

　勤務先が近くにあり、静寂な郊外の周辺であったため 作曲は滞ることなく1868年10月から1869年の初夏までに声楽の総譜が完成され、同年の12月15日にはオーケストラの総譜も完成した(この時点で初稿を完成させる)

 

　ムソルグスキーはオペラの作曲に着手して以来、しばしば友人たちの音楽サロンで完成した部分を聴かせていたという。

 

　オーケストラの部分は、親友の顧問官ブルゴールドの令嬢ナデージダが受け持ち、ムソルグスキーは自分自身が歌手となって全てのパートを歌ったと伝えられる。

ムソルグスキー オペラ『ボリス・ゴドゥノフ』（リムスキー＝コルサコフ編曲） Act 1

 

　『ボリス・ゴドゥノフ』 （露：Борис Годунов）は、ムソルグスキーが作曲したプロローグと4幕から構成されるオペラである。

 

　ロシアに実在したツァーリ、ボリス・ゴドゥノフ（1551年 - 1605年）の生涯をオペラ化したもので、ムソルグスキーの作曲したオペラの中で、最も有名な作品である。

 

　1868年、ムソルグスキーは当時燃えるような創作意欲と、作曲に没頭できない官史の生活との矛盾に苦しんでいた。その影響があるためか『ボリス・ゴドゥノフ』を作曲する以前の1856年に『アイルランドのハン』、1863年から1866年にかけて、フローベールの原作による『サランボー』、ゴーゴリの原作による『結婚』などのオペラを作曲したが、いずれも未完成に終わっている。

 

　同年春、ムソルグスキーはリュドミーラ・シェスタコーワ夫人の音楽家のサロンにしばしば顔を出し、当時夫人のサロンに出入りしていた歴史家のウラディーミル・ニコルスキーと会い、ムソルグスキーがオペラの題材を探していることを話すと、ニコルスキーは早速「プーシキン物語」の中にある劇詩「ボリス・ゴドゥノフ」を作曲することを勧めた。

 

 劇詩を読んだムソルグスキーは、物語の面白さに心を惹かれ「ボリス・ゴドゥノフ」をオペラ化にすることを決意した。

ペルゴレージ『奥様女中 （La Serva Padrona）』(3)

 

第２部

ウベルトと結婚したいセルピーナは、ヴェスポーネを怖そうな軍人に変装させ、自分の婚約者ということにさせる。

 

ウベルトに

「この人と結婚するから、お別れです」

と泣きながら告げる。

 

婚約者に扮したヴェスポーネは、何も話さないので恐ろしげに見える。セルピーナは、婚約者は持参金を要求している、と通訳するふりをする。ウベルトが渋ると、よけい婚約者が怖くみえるので、セルピーナはもしも持参金を出せないなら、ウベルトがセルピーナと結婚するしかない、と通訳する。

 

騙されたことを後で知ったウベルトだったが、結局セルピーナの魅力に負けて結婚することになる。

 

1幕、2幕ではなく1部、２部となっている理由は、このオペラは元々独立したものではなく「誇り高き囚人」というオペラ・セリア（正歌劇。深刻なストーリーのもの）の幕間に入るインテルメッツォ（幕間劇。お笑い中心のオペラ・ブッファの原型）であることに由来する。日本の能と狂言みたいなものである。

 

リリコ・レジェロ・ソプラノが歌う「頭の良い召使」というのは、モーツァルトでお馴染みである。

 

『奥様女中』は、今日よく知られているオペラの中では最も古いものの1つだが、登場人物はたったの3人のみ。それも1人は黙役なので、初心者にも分かりやすいストーリーである。

 

歌は、セルピーナが歌う「私のおこりんぼさん」というアリアが有名で、声楽を勉強する人が歌うイタリア歌曲集に入っている。

ペルゴレージ『奥様女中 （La Serva Padrona）』(2)

 

マルケ州の町イェージに生まれ、幼い頃から音楽の才能を現し、ナポリの音楽院に入学する。

 

1731年（21歳）に卒業し、卒業作品として音楽劇『グリエルモ・ダキタニアの改心』を作曲して、作曲家としての扉を開いた。同年、初のオペラ『サルスティア』を初演するも、不評に終わる。

 

1732年（22歳）、オペラ・ブッファ『妹に恋した兄』を初演し、最初の成功を収めた。

1733（23歳）年8月28日、サン・バルトロメオ劇場でオペラ『誇り高き囚人』を初演。

失敗に終わったにもかかわらず、この作品の幕間劇として作曲された『奥様女中（La Serva Padrona）』が歴史的な大成功を収め、オペラの歴史に大きな変革を齎した。

 

1734年（24歳）には、ナポリ楽長に就任。

1735年（25歳）、オペラ『オリンピアーデ』をローマで初演するが失敗し、ナポリへ戻る。この頃から体調が悪化し、療養しながら作曲に取り組んだが、1736年にはナポリ近郊ポッツオーリの聖フランチェスコ修道院に移る。

 

死の直前、ナポリ在住貴族の集まり「悲しみの聖母騎士団（Cavalieri della Virgine dei Dolori）」から委嘱された『スターバト・マーテル（Stabat Mater）』（悲しみの聖母）と『サルヴェ・レジナ Salve Regina』（めでたし女王）を作曲し、完成した後、結核により僅か26年の生涯を閉じた。

 

後生のモーツァルトと並ぶほどの才能を持ちながら、夭折してしまったのは惜しまれる。

ペルゴレージ『奥様女中 （La Serva Padrona）』(1)

 

『奥様女中』（La serva padrona）</strong>は、ペルゴレージ作曲のオペラ・ブッファで代表作の一つである。

 

元来はオペラ・セリア《誇り高き囚人 Il prigioniero superbo 》のインテルメッゾ（幕間劇）として作曲され、共に1733年に初演された。ナポリ大地震の直後に歌舞音曲が禁じられていたのだが、ハプスブルク家の皇后の誕生日を祝うために、それが解禁されてから上演された最初のオペラであった。

 

《誇り高き囚人》は当時としても成功せず、今日においてもレパートリーとして認められてはいない。結局、これと《奥様女中》とは切り離され、後者が単独でヨーロッパ中で持て囃されるに至った。

 

オペラの歴史において、このインテルメッゾの重要性を見過ごすことなど到底できない。聴衆にとって、馴染み易い登場人物によって魅力的な作品となっている。すなわち頭の回るメードと、年老いた主人である。

 

ペルゴレージは、オペラ・ブッファの様式を完成させ古典派音楽への道を示した。

 

第１部

気難しい金持ちの年配男性のウベルトは、下男のヴェスポーネ（黙役）と女中のセルピーナを雇っている。ウベルトは、セルピーナに（飲む）チョコレートを持ってくることが遅いのに、腹を立てている。彼女はしぶしぶやってきたが、説教を軽く聞き流す。

 

ウベルトは

「自分は結婚するから、出て行け」

と言うと、セルピーナは

「だったら、私と結婚すれば？」

と言う。

 

ウベルトは呆れているが、セルピーナは本当は自分のこと好きなはずだ、と確信している。

ロッシーニ オペラ『タンクレーディ（Tancredi）』act2

 

第2場

海岸を望む宮殿の庭。一艘の帆掛け舟が接岸し、タンクレーディと部下たちが下船する。タンクレーディは祖国への無事帰還を感謝し、恋人との再会を思い描いて喜びと不安に浸る（アリア「おお、祖国よ！…君はわが心を燃え上がらせ」）

そこにアメナイーデが父アルジーリオとやって来るので、彼は隠れて様子を伺う。

 

「タンクレーディ（Tancredi）」という名前だが、決して女性（Lady）と言うわけではない。しかし、この作品ではロッシーニが主役のタンクレーディに、女性歌手を充てたことが大きな特徴である。この当時、フランス革命の影響を受けてカストラート（「castrato」は、近代以前のヨーロッパに普及した、去勢された男性歌手のこと）が歌劇場から追放されたが、テノールはまだ主役を張るには未熟な状態であった。そこでロッシーニが目をつけたのが、カストラートと同じ声域を有するコントラルト（女声の低音域。アルト）歌手だった。

 

秘かにシラクーサに帰国していたタンクレディを見たアメナイーデは、何も説明せずに彼に身の危険が迫っているので逃げることを勧める。アルジーリオは、娘にタンクレーディのメッシーナ到着を告げ、シラクサに戻れば死刑にすると言い渡し、改めてオルバッツァーノとの結婚を強要し、その場を去る。

 

1829年37歳の時、最高傑作とされる「ウィリアム・テル」をパリで初演、大成功を収めながら、突如オペラの作曲を永遠に辞めると「引退宣言」をしたロッシーニ。しかし、ロッシーニがオペラ作曲家を突然引退したのは、才能が枯渇したからでも病気が原因でもなかった。美食家としての名声があったロッシーニは、フランス国王シャルル10世の即位に際「フランス国王の第一作曲家」の称号と終身年金を得た。この経済的余裕が、ロッシーニを食通且つ食材に贅を尽くす料理家へと変貌させる伏線となる。

 

次に考えられるのは、天才シェフ、アントナン・カレームとの出会いだ。フランス料理を芸術の域に高めたカレームは、大衆食堂の見習いから身を起こしながら、遂に王宮の厨房を任されるほど腕が立つ料理人である。パリの名門、ロスチャイルド家のシェフを任されてからロッシーニとの交流が始まった。分野の異なる天才同士が、美食談義に興じた。カレームは、その著書「19世紀フランス料理技術」でロッシーニ風料理のレシピを紹介し、ロッシーニはカレーヌの料理の真価を各界名士の舌を通じ、世に知らしめたのである。

 

このオペラの魅力は、21歳という若い頃の作らしい、若々しさや瑞々しさといわれるが、ソプラノやテノールにも超絶技巧が求められるために、なかなか上演する機会が少ないのも事実である。しかし、1970年代にフェラーラ版が再発見されてからは「セミラーミデ」と人気を二分するオペラ・セリアとなっている。

 

場所は変わって城壁の近くの広場。貴族と戦士たちが、オルバッツァーノとアメナイーデの婚礼を祝っている（合唱「愛よ、降りてこい」）

その歌声を耳にしたタンクレーディは、恋人に裏切られたと思い込む。堪えられず、身分を隠して騎士の姿で婚礼の列に飛び出したタンクレーディは、国王アルジリオにサラセンと戦う義勇兵に志願を申し出た。タンクレディだと分かっているアメナイーデは苦悶し、結婚式を取りやめるよう懇願する。

 

そこにオルバッツァーノが、アメナイーデの手紙を持って現れる。宛名の無いその手紙は、彼女がタンクレーディに渡すつもりで書いたものだったが、内容が朗読されると皆は彼女がサラセンの将軍ソラミーロと内通したと誤解する。しかも、サラセン軍の近くで捕らえられた奴隷が所持していたので誤解は深まり、アメナイーデがサラセン軍に救いを求めたものと誤解され、捕らわれてしまう。

 

一方、タンクレディも、彼女がソラミールを愛していると誤解してしまった。祖国を裏切ったとみなされたアメナイーデは逮捕され、父から死刑を言い渡される。事の成り行きに一同、戦慄する。

クライマックスへ向かって盛り上げ方が、実にロッシーニらしく、ストーリーは悲劇なのに言葉や歌詞が解らず聴いていると、楽しささえ感じてしまうから不思議だ。

 

僅か20歳にしてオペラ『試金石』を大ヒットさせ、早くも名を挙げたロッシーニ。そして翌年、21歳にして発表したのが、このオペラであった。いかにロッシーニが「早熟の天才」かがわかろうかと言うものだが、意外なことに19年で39作ものオペラを作曲しながら、現代において聞かれるのは『セビリアの理髪師』や『ウィリアム・テル』などの序曲が殆どで、オペラそのものがあまり聞かれることはない。

 

早筆かつ稀代の怠け者のロッシーニが、右から左へという調子で書き散らしていきながら「ロッシーニ旋風」という大ブームを巻き起こしたことに対する、僻みややっかみもあったろうが 　「時代とともに色褪せたのは、深みに欠けるせいだ」という声も多く聞かれた。ところが、ここへ来て初期の作である、この『タンクレーディ』や10年後に書かれた『セミラーミデ』といったオペラが見直され、しばしば上演されるようになった。

 　

1830年、フランスで7月革命が起きた。シャルル10世が退位する政変の煽りで、ロッシーニの年金が無効となってしまった。ロッシーニは新政府を相手に終身年金を求める裁判を起こし、オペラの筆を折ると文化を重んじるフランス政府に圧力をかけた。裁判が審議される間、稀代の食通として社交界の寵児であるロッシーニは料理の創作に情熱を注ぎ、トリュフとフォアグラを使った様々な料理を考案する。

 

1836年、裁判に勝って終身年金を得たロッシーニは、すでに料理家としての情熱が作曲家としての情熱に勝っていた。44歳で祖国イタリアへ帰国した後は、豚の飼育とトリュフの専門家として活躍し､パリでは会員制レストラン｢グルメのための天国｣をオープンさせ、第二の人生を歩み始めた。

ロッシーニ オペラ『タンクレーディ（Tancredi）』act1

 

●第1幕

舞台は1005年のシラクサ、アルジーリオの宮殿の回廊。騎士たちとその従者たちが集い、党派抗争の終結と友情の復活を祝い祖国への忠誠を誓う（合唱「平和、名誉、忠誠、愛」）

シラクサ国王アルジリオは、サラセンとの戦いに備えるために政敵オルバッツァーノと手を結ぶことにした。その和解の証しに、娘のアメナイーデをオルバッツァーノに嫁がせることを約束した。これは彼女に思いを寄せる、敵方サラセンの司令官ソラミールに対する挑戦行為でもあった。というのは、ビザンツ帝国においてアメナイーデに求婚していたソラミールは、今や司令官となっていた。ソラミールは、彼女を得ることと引き換えに和平を提案していたのであった。

亡命者タンクレディは、ビザンツ帝国を秘かに抜け出していた。その逃亡ゆえに彼は死刑宣告され、タンクレディ一族の財産はオルバッツァーノに褒賞として与えられることが決められてしまった。

 

『タンクレーディ』（伊: Tancredi）は、ジョアキーノ・ロッシーニが1813年1月頃に作曲し、同年2月6日にヴェネツィア・フェニーチェ劇場で初演された、初の本格的オペラ・セリアである。このオペラの成功により、ロッシーニは弱冠21歳にしてイタリア中で名声を得ることとなった。台本は、ヴォルテールの悲劇「タンクレード」を元にガエターノ・ロッシが執筆した。前年、『試金石』」で初めてオペラ・ブッファで成功を収めたロッシーニは、兵役を免除されヴェネツィアのフェニーチェ歌劇場の委嘱を受け、新たにオペラ・セリアを書くこととなった。

作曲までの経過は、不明な点も多い。しかし主人公が死ぬこととなっている原作と異なり、劇場ではハッピーエンドで終わらせなければいけないという慣習に従ったことに疑問を感じ、フェラーラでの上演の際は原作どおりに悲劇版として発表している。

 

「タンクレーディ」とは、ガリラヤ公（またはティベリアス公）タンクレード（タンクレッドとも、Tancred, イタリア語: Tancredi, フランス語: Tancrède、1072年生、1076年生という説もある　- 1112年12月5日または12月12日没）のことで、第1回十字軍における重要人物のひとりである。十字軍の遠征に参加した南イタリアのノルマン人諸侯のひとりで、後にはアンティオキア公国の摂政やガリラヤ公国の公にもなり、レバントに成立した十字軍国家の初期の重要人物となった。

 

登場人物

    アルジーリオ（シラクサの王でアメナイーデの父）：テノール

    タンクレーディ（前王の息子）：メゾソプラノ

    オルバッツァーノ（アルジーリオと対立する貴族）：バス

    アメナイーデ（アルジーリオの娘）：ソプラノ

    イザウーラ（アメナイーデの友人）：メゾソプラノ

    ロッジェーロ（タンクレーディの腹心）：メゾソプラノ

     

曲の構成

第1幕

    第1場…アルジーリオの宮殿の回廊

    第2場…海岸を望む宮廷の庭

    第3場…城壁の近くの広場

第2幕

    第1場…アルジーリオの城内の回廊

    第2場…牢獄

    第3場…シラクサの大広場 ヴェネツィア版

    4場…山間の崖下

    フェラーラ版第4場…戦場

 

1812年、オペラ『試金石』が成功し、弱冠20歳にして早くも人気作曲家の仲間入りをしたロッシーニ。その後のロッシーニの人生は、まさに「破天荒」を絵に描いたような生き様である。

 

4年後、絶対の自信作だった『セビリャの理髪師』のローマ初演は、これまでの成功が嘘のような大失敗に終わった。原因は、先に同じ題材をオペラにした作曲家パイジェルロの一派が妨害工作を行い、開演からヤジや口笛で始まり大混乱になったためであった。初演の大失敗は音楽史でも枚挙にいとまがなく、どの作曲家も大いに落ち込むパターンがお決まりで、中にはそれが原因でノイローゼとなったり、死に至ったビゼーの例もあるくらいだが、根っから豪胆なロッシーニはまったく違っていた。

 

大失敗の上演後、歌手たちはロッシーニがさぞかし落ち込んでいると考え慰めに行くと、彼はすでにホテルで天下泰平の大鼾をかいて熟睡していた！

「最高傑作であることは間違いないし、大衆はいつかわかるだろう」

と、ロッシーニはケロリとして答えたという。

 

その後の作曲家活動は順調で、本来の怠け者の性格から、他人の旋律の無断拝借やオペラ序曲の使い回しなど、作曲に対する姿勢に問題があったものの、32歳でパリのイタリア座の音楽監督に就任し、早々と地位も名声も獲得する。ロッシーニは「早筆」で有名であるとともに、稀代の無精者でもあった。ベッドに寝たまま作曲するのを常としていたロッシーニは、書きかけの五線紙を落とした時には「拾うのが面倒だから」と、新しい紙に書き直していた話は有名である。

プッチーニ『トスカ』（3）

 

トスカが扱う題材は、あまりにも現実的で生々しい。愛し合う二人に、共和派と王党派の政治的争いが絡まり、そこに権力者の生々しい欲望が覆い被さるという、まさに「日常」の出来事がテーマとなっている。そしてヒロインのトスカは、これまたプッチーニが愛してやまなかった薄幸の悲劇の女性である。

 

プッチーニのオペラには、幸せな女性は登場してこない。どれもこれもが幸薄く悲劇的、そして純情で可憐な存在として登場する。その中では、このトスカは一番気丈な存在ではありながら、それでも権力者の嘘に易々と騙されてしまう愚かな存在でもある。

 

言うまでもなく『蝶々夫人』で見せた、あの巧みな日本情緒とメロディーの展開同様に、今度はアメリカ文化に対する執念の研究が下地になっている事は、その音楽を聴けば一目（というか一聴）瞭然である。

 

さらに、止まるところを知らないプッチーニの探求の目は、再び東洋の神秘へ向けられる事となった。次なる『トゥーランドット』において、プッチーニがテーマに採ったのはチャイナである。惜しくも、完成を見ぬままに遺作となったこの作品だが「プッチーニの最高傑作！」と評されるほど完成度が高い作と言われる。

 

その後、しばらく寿命が続いていたら、プッチーニの旺盛な探究心が今度はどこに向けられ、それらの素材を今度はどのように鮮やかに料理して、どのような楽しいオペラが生み出されていたであろうか、などと想像を巡らせるだけでも楽しいではないか。

プッチーニ『トスカ』（2）

 

プッチーニは大変な勉強家であった事は、その音楽に如実に現われていると言って過言ではない。 　実際、プッチーニのオペラの歴史は、まさに研究の歴史と言っても良いくらいで、非常に様々に新しい試みにチャレンジし続けた人で、その範囲の広さはオペラ史の中でも屈指と言っても良いのではないか、と思われるほどだ。

 

同時代のフランスの作曲家マスネの『マノン』に刺激を受け、同じテーマの『マノン･レスコー』（Manon Lescaut）で成功を収めると、続けて『ラ・ボエーム』（La Boheme＝「Boheme」とは「ボヘミアン」のフランス語読み、「La」は「le」、「les」などとともに英語の「The」に相当する定冠詞）、さらに『トスカ』（Tosca）といった作品によって、あれよあれよという間に確固たる名声を築き上げて行く事となった。

 

同じイタリアの大先輩ヴェルディの時代は、貴族社会や神話或いはシェークスピアに代表される、古典文学などの格調高さをテーマにしたオペラが主流だった。ところが身近な一般社会に物語のテーマを求め、独特の詩的な情緒を醸し出しながら、可憐なヒロインの生き様を描き出すのがプッチーニの真骨頂であり、それが時代のニーズに見事にマッチしたとも言えるだろう。

 

ここまでで既に、世界的な地位を確立していたプッチーニだったが、その勢いと探究心は止まるところを知らず、どういうわけか遂に日本にのめり込む事になる。芸術家にはありがちな性質なのだろうが、一旦興味を示した対象は徹底的に研究し尽くすのがプッチーニであり、それはかの有名な傑作『蝶々夫人（Madama Butterfly）』の全編に渡る、日本情緒に溢れたあの美しい旋律が物語っている通りである。この『蝶々夫人』は、前2作の『ラ・ボエーム』と『トスカ』とともに「プッチーニの三大オペラ」と並び称される傑作として今でも語られるほどだが、プッチーニのあくなき創作意欲と異国文化への探究心は、まだまだ衰えるところを知らなかった。

 

そして「東洋のジパング」の次に、プッチーニが食指を伸ばしたのは「自由の天地」アメリカだ。 　最初に『西部の娘』という作品を発表して好評を得ると、返す刀で『外套』、『ジャンニ・スキッキ』（Gianni　Schicchi）、『修道女アンジェリーカ』という、それぞれまったく異なる個性に溢れた「アメリカ三部作」を同時に初演にかけるという、離れ業を演じてみせたのである。

プッチーニ『トスカ』（1）

この作品はプッチーニの作品の中でも、典型的なヴェリズモオペラと言われる。

 

この時代のイタリアでは、マスカーニの「カヴァレリア・ルスティカーナ」やレオン・カヴァレロの「道化師」などの演劇的な作品が人気を博し、この作品もそのような流行の洗礼を受けて成立した。

 

プッチーニは誰かが新機軸を打ち出して成功を収めると、そのいいところをうまく自分の中に消化して、さらに高いレベルで作品を完成させてしまう性向と能力を発揮した。この辺りが、同業者からプッチーニが嫌われる理由だったようで、他人の褌で一番おいしい部分だけをちゃっかり持っていくように受け取られてしまったようだ。その反感が、蝶々夫人の初演における歴史的失敗に繋がったとも言われている。

 

「ヴェリズモオペラ」とは「日常の現実的な出来事を題材に台本が書かれていて、さらに音楽も劇的な効果を追求したオペラのこと」である。これ以前の、古いスタイルのオペラのことを「ベルカントオペラ」呼ぶ。

 

「ベルカントオペラ」とは「18世紀に成立したイタリアの伝統的な歌唱法を用いたオペラのことで、劇的、叙情的な表現より音の美しさ、柔らかさに重点を置き、喉に無理なく低音から高音までのびやかに歌える方法」として知られ、最盛期は18世紀から19世紀前半でロッシーニ、ベルリーニの作品が典型と言われる。つまり時代が近世から近代に移り変わる中で、現実離れした筋立てでは観客は満足しなくなり、よりリアルで劇的な音楽を求めるようになった結果として生まれてきたのが「ヴェリズモオペラ」なのである。

ベッリーニ オペラ『清教徒』act2

 

D・J・グラウトによれば「1830年代のイタリア・オペラで、ベッリーニはスタイルの純粋さ、しばしば悲歌的な憂いを含む比類のない優雅な旋律で、まったく独立した地位を占めている。彼は、ピアノにおけるショパンと同じくオペラにおける貴族主義者であった。ショパンに対するベッリーニの影響は、実際によく指摘されている。二人は旋律的なスタイルが似ているだけでなく、時にはなかなかドラマティックな表現を発揮することや、正しく演奏するためには、技術的に優れた真の理解力のある解釈者を必要とする点でも共通している。

 

この時代のイタリア・オペラを論じる際には、すべてが歌手に依存していることを忘れてはならない。作曲者はほとんどの場合、ある特定の歌手を念頭においてパートを書いた。さらに、ベッリーニの作品には、ロッシーニ、ドニゼッティの場合と同じく、しばしば合唱が現れる。特に、ベッリーニがグランド・オペラのスタイルとスケールに迫ろうと試みた『清教徒』では著しい。

 

楽曲

本作で最もよく知られているのは、第2幕のエルヴィーラの30分にもなろうという〈狂乱の場〉「ここであの方の優しい声が」であり、また、第3幕フィナーレの四重唱「彼女は震えて」に含まれるアルトゥーロのパートにはヴァリアンテではなく高いファが、且つ引っ掛けるだけではなく一拍半伸ばすよう楽譜に書かれている。実際、テノールがここをどう処理するか話題になる。

 

リッカルドにも第1幕の美しい〈アリア〉「ああ永遠に君を失った」が、ジョルジョにも第2幕の流麗な〈ロマンツァ〉「解いた髪に花を飾り」が与えられている。本作には、ベッリーニらしい息の長いフレーズのメロディが満載で、音楽的にも完成度の高い作品である。

ベッリーニ オペラ『清教徒』act1

 

『清教徒』（せイタリア語: I Puritani）は、ヴィンチェンツォ・ベッリーニが作曲した最後のオペラ（全3幕）で、メロドランマ・セリオと銘打たれている。1835年1月25日にパリのイタリア座（英語版、フランス語版）で初演された。本作は清教徒革命に巻き込まれた男女の愛を描く、歌手とっては大変な難曲で、『ノルマ』、『夢遊病の女』と並ぶベッリーニの代表作である。

 

作曲の背景

1833年3月にヴェネツィアのフェニーチェ劇場で初演されたオペラ『テンダのベアトリーチェ』が不評に終わり、失望したベッリーニは同年の秋に、念願だったパリへ移住する。そこで巻き返しを期して作曲されたのが『清教徒』で、1834年にパリのイタリア・オペラを原語で上演する歌劇場であるイタリア座からの依頼を受けて作曲されたオペラであった。

 

ベッリーニは、パリにやって来た当時フランス語が全く話せなかったばかりか、イタリア語も酷いシチリア訛りであった。だが、彼はフランス語を自在に操れる必要を感じていなかった。パリ滞在は新作オペラを華々しく成功させることだったからである。

 

ベッリーニはロッシーニの支援を受けてイタリア座と契約したが、イタリア座での収入はイタリアで受けていた収入よりずっと多く、イタリア座という歌劇団自体が素晴らしいこと、そしてパリに留まりたいからであると考えていた。当時のパリには林立する歌劇場群の隆盛で欧州全土から注目を集めていたが、全編をフランス語で歌い通し、バレエを盛り込んだ大作を主とするパリ・オペラ座とより庶民的な題材を扱い台詞を入れて筋を分かり易くしたオペラ＝コミック座という二大歌劇場ではなく、イタリア座での新作発表を選んだベッリーニの意図が想像しやすい。

 

音楽的特徴

「信じて、哀れな人！」"Credeasi, misera"、第3幕からの抜粋。強調表示された音符（ハイC以上）は、テノールの運用レパートリーで最も厳しく要求されるものの1つであり、通常はファルセットまたは完全に移調して歌われる。

 

和声とオーケストレーションにおいて、『清教徒』はベッリーニの最も洗練されたオペラである。これがパリの聴衆のために書かれたことの直接の結果であることは疑いない。主題の回想が非常に多いと言う点も、同じ理由に帰することができるだろう。と言うのも、この手法は当時のフランス・オペラに共通する特徴だからである。

 

ベッリーニは、またゆったりとした時間のスケールを作り上げようとした。このことは拍をまたいだ遅い三連符が、これ見よがしに続く導入部にはっきりと見てとれる。この点において、ベッリーニはワーグナーとも接点を持っていたと言える。エルヴィーラの役はロマン主義的狂気の極致を示すもので、病的な状態と言うよりも、か弱い女性の、一部は抒情的で、一部はヴィルトゥオーソ的な変容として構想されている。このような女性像はドニゼッティの『ランメルモールのルチア』に反響を見出すことになるであろう。

 

ベッリーニは、ある時は独立した部分に分けられた古典的構成を取り入れ、またある時は〈規則に縛られない〉巨大な構築を思わせる構成をとっている。後者の例である『清教徒』においては、幾つかの場面区切れることなく展開されるのである。さらに、彼の見事な旋律は長い労苦の末に生み出された者であり、ドラマの感情内容をより良く声に託すためにベッリーニは和声とオーケストレーションを絶えず純化して、その贅肉の一切を削ぎ落しているのである。

ワーグナー オペラ『ローエングリン』（Act 3）

『ローエングリン』はワーグナーのオペラの中でも人気が高く、一時期はもっとも演奏機会の多い作品となっていた。

 

1858年にミュンヘンで上演された『ローエングリン』を観て魅了されたのが、当時バイエルン王国の王太子だった15歳のルートヴィヒ2世である。ルートヴィヒ2世は1864年に王位に就くとワーグナーを招聘し、ワーグナーの負債の全てを肩代わりするとともに、高額の援助金を支給した。

 

ルートヴィヒ2世は、リンダーホーフ城内に『タンホイザー』ゆかりの「ヴェーヌスの洞窟」を作らせ、そこで楽士にオペラのさわりを演奏させ、自身はローエングリンの扮装をして船遊びを楽しんだ。また、多額の国費を投じて建設したノイシュヴァンシュタイン城の名は、日本語に訳せば「新白鳥石城」（画像）である。

 

アドルフ・ヒトラーも、また『ローエングリン』の熱狂的な愛好者だった。ヒトラー率いるナチス・ドイツは、ワーグナーの音楽を最大限に利用したが、とくに『ローエングリン』の第3幕でハインリヒ王による「ドイツの国土のためにドイツの剣をとれ!」の演説が、ドイツとゲルマン民族の国威発揚のために、あらゆる機会に利用された。このことがあってか、チャップリンによる映画作品『独裁者』において、主人公が地球儀をもて遊ぶ場面とラストシーンにおいて、第1幕への前奏曲が使われている。

 

最後には主な登場人物の殆どが去り、あるいは死んでしまうという悲劇的な展開は、当初から議論があった。特にローエングリンが去り、エルザが死ぬという結末については、1845年11月の友人たちを集めた朗読会でもすでに異論が出され、初演後の1851年にもアードルフ・シュタールによって批判を受けた。

 

ワーグナーもこの点には葛藤があったらしく、批判を受けてローエングリンが去らずにエルザと結ばれる「ハッピーエンド」や、エルザもローエングリンとともに去る、といった案を検討したとされる。しかし結局どの案も採用には至らず、批判へのリストの反論もあって結末が変わることはなかった。このことについて、後にワーグナーはギリシア神話の「セメレとゼウス」を引き合いに出して釈明している。ギリシア神話で人間の女であるセメレは、恋人ゼウスに対し神としての真の姿を見たいと願ったために、その願いを叶えたゼウスの雷に打たれて焼け死んでしまうのである。

ワーグナー オペラ『ローエングリン』（Act 2）

 

ワーグナーは、このオペラを「３幕からなるロマン的オペラ」と呼んでいた。やがてオペラではなく「楽劇」という理念を打ち立てるワーグナーの第一歩として、各場面は同じ曲調で一貫性を保ち、アリアやレチタティーヴォといった明確な分類がない。また序曲ではなく「前奏曲」を採用して、序曲としてオペラの本筋から分離させるのではなく、もっと簡略で内容的にもオペラの本筋にそった音楽を各幕の冒頭に提示する意図による。

 

こうしてこの作品は、その後のワーグナーの芸術の萌芽を予感させながらも、調性は明確でわかりやすくなっている。

ワーグナー オペラ『ローエングリン』（Act 1）

 

リストは、1848年からヴァイマル宮廷楽団の宮廷楽長の座にあった。ワーグナーより2歳年長のリストは、ワーグナーの音楽の紹介に努め、1849年5月に『タンホイザー』をヴァイマルで上演していた。同月にドレスデンの革命蜂起が失敗し、これに荷担していたワーグナーの逮捕状が出ると、リストはワーグナーのスイスへの出国に手を貸し、チューリヒでの亡命生活にも援助を惜しまなかった。

 

リストが、ヴァイマルで『ローエングリン』を初演指揮した直後、1850年9月2日付けのワーグナー宛の手紙には

 

「君の『ローエングリン』は始めから終わりまで崇高な作品だ。少なくないところで私は心底から涙を流したほどだ」

 

と書いている。

 

2人の交友関係は、リストの弟子であったハンス・フォン・ビューローと結婚した娘コジマが、不倫関係の末にビューローと別れ、1870年にワーグナーと結婚したことでいったん絶縁状態となるが、1872年にはワーグナー夫妻の熱心な招きに応じたリストがバイロイトを訪問し和解している。

 

これだけ世話になった師匠といえど、己の欲望の前には平気で裏切るのがワーグナーの真骨頂といえるが、当時「音楽の帝王」と崇められたリストの度量が大きかったのか、はたまたよほどワーグナーの才能に惚れこんでいたのか？